lunes, 22 de junio de 2015

Métodos para desarrollar una composición parte 2.

Charlie Lavín- 
Directorio de Músicos Instrumentistas y Arreglistas- México 

Seguimos con los recursos:
1.- Agregar melodía de la parte A y parte B al mismo tiempo.
Este recurso es sirve muy bien para cerrar una pieza, a mi me da una sensación de fin de un ciclo y unión de partes que antes no eran compatibles

Yasunori Mitsuda – Chrono Trigger/Chrono Cross Fantasy
Este magnifico medley orquestal toma lo mejor de esos 2 juegos y los une en una sola pieza, el clímax aparece al final, cuando retoman el tema principal de Chrono Cross y Chrono Trigger y los mezclan del 16:04 al final

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2.- Agregar o quitar instrumentos.
El simple hecho de ir agregando instrumentos es algo interesante y no monótono, da un crecimiento constante a la pieza y es un recurso muy fácil de manejar.

Hans Zimmer-Time
Inception (El Origen), tremenda película con magnifico score. Esta pieza es la obra con la que cierra la película, es un crescendo continuo, desde lo más intimo hasta lo más épico

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3.- Bola curva.
Este recurso es padrísimo porque el chiste es poner en nuestra música algo que el escucha no se espera, es un contraste no anunciado. Su analogía puede ser como una finta, o una bola curva en beisbol. Básicamente es hacer algo NO Predecible.

Marty Friedman-Black Orchid
Este tremendo guitarrista hace un gran uso de este recurso en Black Orchid, en general cada sección de esta pieza es una bola curva, porque no son cambios esperados ni predecibles, tal vez los más obvios están en el 3.15 y 3.45

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4.- Improvisación.
Esta es un arma de doble filo, ya que por un lado es muy fácil de emplear y agrega variación e interés cuando es una gran improvisación, por otro lado, una improvisación larga y sin dirección puede volverse monótona. 

Pat Metheny – Have you Heard  
Pat Metheny es un increíble guitarrista y tiene bien refinado el arte de la improvisación, lo puedes escuchar en el 2.02

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5.-Diferentes tipos de acompañamiento y melodías.
Acompañamiento y melodía como entes separados:
Maurice Ravel- Bolero
Un ejemplo claro de cómo generalmente el acompañamiento es una célula separada de la melodía, cada una existe sin necesidad de la otra, pero se complementan muy bien.


Contrapunto: en el contrapunto no existe acompañamiento y melodía como entes separados como tal, todos los registros obtienen la misma importancia y es necesario darles movimiento continuo, cuidando la armonía y repitiendo motivos entre las voces.

Beethoven- Sinfonia No.9 4 movimiento 
De los mejores contrapuntos existentes a mi gusto. El manejo de cada voz es tremendo y el  12.43

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6.- Obligados
Los obligados son parte donde toda nuestra banda coinciden rítmicamente, unos buenos obligados pueden dar una sensación de mucha unión a nuestra música y nuestro conjunto.
Generalmente se emplean al inicio y final de las piezas, y son casi básicos en los estilos de jazz pero claro, nada está escrito.

Kiko Loureiro – Ojos Verdes
La introducción 0.00 al 0.30 son obligados.

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7.- Introducción 
El crear una buena introducción nos puede dar una ventaja grande al momento de capturar a nuestro escucha, podemos provocar una buena expectativa sin dar realmente una exposición de nuestro tema.

John Williams-Star Wars Theme
Los primeros 10 segundo más épicos en la historia del cine 

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8.-Final
Una parte muy básica y a veces difícil de crear, la sensación de clausura es algo exquisito bien empleado, pero un final que no está bien planeado nos puede dejar muy insatisfechos como escuchas.
Tipos de final:

Fuerte: Beethoven- 9th 4to Movimiento.
La preparación del final está sumamente cuidada y en ella participan extensivamente todos los instrumentos, haciendo uso de un Clímax para cerrar.


Suave: Mahler – Sinfonia No. 4 3er Mov
Hay algo muy íntimo y conmovedor en este final, sin ninguna necesidad de recurrir al malabares técnicos y orquestales.
Cualquier comentario, duda o crítica constructiva siéntanse libres de escribirme a charlielavin@live.com y 45rpmcreativos@gmail.com
Hasta la prox!

martes, 26 de mayo de 2015

Métodos para desarrollar una Composición

Directorio de músicos , Interpretes y Compositores - México
Charlie Lavin

En mi experiencia como compositor, una de las partes más frustrantes y más complicadas de entender fue y a veces sigue siendo la forma de desarrollar la composición.
Al principio creo que lo que hacemos todos es darle rienda suelta a la intuición, componemos sin tener realmente a la mano herramientas para alargar y desarrollar nuestra pieza, y eso crea de repente frustración al no encontrar un vinculo coherente entre las diferentes partes de nuestra composición creándonos bloqueos creativos.
Creo que es importante entender primero que toda la música está basada en un cierto grado de repetición y variación.
Es importante la repetición porque es lo que da coherencia a la obra, una pieza sin repetición difícilmente va a crear esa sensación de coherencia y continuidad.
Por otro lado la variación es importante porque nos ayuda a evitar la monotonía.
Ahora bien, hay varios recursos que uno puede utilizar para el desarrollo de su pieza, mas el primero de todos ellos creo que tiene que ser el de identificar el motivo principal de la pieza.

Toda la demás construcción de la melodía, e incluso a veces de la obra entera está basado en el motivo. Sencillamente hay que escuchar la 5ta sinfonía de Beethoven para corroborar esto, el motivo que plantea al inició es la columna vertebral de toda la pieza:


Una vez identificado el motivo se le pueden aplicar diferentes recursos para crear de el una melodía entera:
Pregunta-Respuesta: Sencillamente considerar el motivo como una pregunta y buscarle una respuesta coherente tanto rítmica como intervalicamente.
Inversión: Invertir las alturas de los intervalos, ej: si entre un Do 5 y un Mi 5 ha una 3era mayor ascendente, ahora la melodía va a contener una 3era menor descendente del Do 5 a Mi 4. 
Retrogrado. Empezar la melodía al revés, empezando por la última nota de esta.
Mismas notas diferente rítmica o misma rítmica diferentes notas, etc….
Ej:


Ok, supongamos que ya tenemos una melodía, y una idea armónica de lo que seria el acompañamiento.
Es importante saber y a veces descubrir que tipo de música va a ser desarrollada en nuestra pieza, y esa respuesta si no la tenemos clara en un inicio se puede resolver entendiendo los movimientos armónicos y melódicos que tiene nuestra melodía: Va a ser una pieza tonal? va a ser modal? O polimodal? Serialista? Que estilo? Etc..
Para eso es excelente saber las diferentes “reglas” de cada estilo.
Eso nos va a ayudar a no salirnos del concepto original de la pieza, por lo menos hasta el contraste.
Ahora lo importante, una vez que tenemos mas o menos el concepto de nuestra pieza hay RECURSOS que podemos utilizar para alargar y desarrollar nuestro material temático y evitar la monotonía:
1.- Contraste:
Creo que una pieza bien equilibrada es una pieza de contrastes. Nuestra melodía tiene mucho movimiento? Que el acompañamiento no lo tenga, Empezamos la pieza en tono menor? En el interludio vale la pena hacer algo en tono mayor. La pieza es modal? Puedes usar en el contraste mayor algo tonal o polimodal.
Hay 2 tipos de contraste para mí.
a).-Contrastes entre secciones, como entre la melodía y acompañamiento, que ayudan a dar espacio y diferencia entre las dos facciones.
b).- Contraste en la composición, dentro de la composición toda una sección que rompe la monotonía de manera brutal, planteando muchísimo material contrastante con la primera parte. Sea en la armonía, dinámicas, instrumentos, etc.
También es importante alcanzar que por cada climax que tengamos, también agreguemos un valle que le de respiración a la música.

 Ej: Mozart –Lacrimosa 1.23-2.02

Porcupine tree – Trains 3.18-4.16

Gustav holst-Marte 3.22-4.24.


2.- Modulación: El cambio de tonalidad es un recurso impresionantemente para efectos dramáticos, es efectivo y fácil de utilizar.
Andrea Bocelli y Marta Sanchez – Vivo por ella 2.19


Hans Zimmer – Dream is Collapsing 1.34

3.- Cambio de Timbre: un cambio de timbres es un recurso que si se usa de manera certera puede crean un efecto muy bello y contrastante sin cambiar realmente mucho de la pieza.
Ej.
Ravel – Bolero: toda la pieza esta basado en ese recurso y en que es un gran crescendo

John Williams – The princess appears /Binary Sunset La parte de la pieza que me importa empieza en 2.15 y en 2.37 esta el cambio de tesitura, donde la melodía que cantaba la trompeta ahora la cantan las cuerdas .


4.-Articulaciones y Efectos: Todos los instrumentos tienen articulaciones propias y generales de la familia a la que pertenecen, conocerlos nos da la gran ventaja de sacarles a la variedad sonora que tenemos disponible. Me refiero a elementos como el pizzicato , tremolo de las cuerdas o el FpF de los Metales, o los armónicos naturales,  artificiales y el tapping de la guitarra eléctrica.
Steve Vai-Building the church : En toda la pieza el aprovecha muchos de los recursos de la guitarra, desde tapping, wah, legato, arpeggios, armónicos artificiales, y eso de la mas carisma y variedad a la pieza, saber usar los recursos y donde.

5.- Dinámicas: Es impresionante cuanta vida le pueden inyectar las dinámicas a la música.Le inyecta una nueva dimensión y el no usarlas es desaprovechar completamente ese espectro. 
Gustav Holst-Marte 0.00- 1.21(empieza climax) 

6.- Melodía en el Bajo: Generalmente la melodía ocupa la parte superior de nuestra música, pero el darle el espacio inferior le puede dar un aire nuevo a nuestra mmelodia, la que armónicamente pasaran cosas muy diferentes a cuando estaba arriba, incluso siendo los mismos acordes, hay que cuidar las disonancias si no se buscan, ya que los bajos son tremendamente celosos en cuando a los cuidados que debemos brindar.


Rachmaninov Piano Concerto 2.20 -

Por último, y para reforzar los ejemplos anteriores, aquí les dejo una pieza mía, utilizando todos estos recursos.
Carlos Lavín – Debajo de la Sábana estelar.


Dinámicas.- Cada sección es dinámicamente diferente a la otra, aquí en los samples no se nota mucho o falto exagerarlo más, pero yo controlo hacer grande o pequeño el registro dinámico mediante orquestación y dinámicas, y es ese juego entre grande y chico lo interesante. Como entre el contraste grande y el resto de la rola.
1.05 Cambiar timbre, lo que tocaba el oboe ahora lo tocan las cuerdas
1.15 Articulaciones y efectos del instrumento (cuerdas pizz)
1.25 Modulación
2.00 Contraste fuerte.
3.36 Melodía en los bajos.
En que otra parte de la pieza creen que se utilizaron que recursos?

Hasta la prox
Carlos
Dudas?
Siéntanse libres de escribirme

viernes, 8 de mayo de 2015

Modos Musicales

Por: Charlie Lavín Martinez- 
Directorio de Músicos, Interpretes, Compositores y Arreglistas- México 


La música modal tiene su razón histórica en la teoría musical antigua griega, sin embargo  ha tenido aplicaciones en el mundo medieval, la música clásica e incluso el pop y lo comercial. Desde México Charlie nos comparte su reflexión: 

La mayoría de la música que escuchamos en la radio y en general de los artistas pop es música tonal. Eso significa varias cosas, por ejemplo, significa que siempre va a haber una cadencia V/I después de construir una cadencia que vaya de una sensación de “estabilidad” a “inestabilidad” siendo el V grado con su 7ma el acorde más inestable y el 1er grado el más estable. Que se eviten las disonancias de 9na menor en todos excepto el 5to grado, etc.
También significa que siempre va a haber un acorde más importante que los demás, una acorde al cual siempre regresamos, al que llamamos Tónica, y el que define nuestra tonalidad.
La música tonal está compuesta básicamente de 2 variantes : Mayor y menor.

Aquí un ejemplo del tono Menor: Elefante – Así es la vida (Gm)

Ejemplo del tono Mayor: The Beatles – Here comes the Sun   (A)


Ahora bien, la música tonal sale mayormente de 2 de los 7 modos griegos, Jónico y Eólico.
Aquí los 7 modos:
Grados y características en tono mayor
  1. Jónico    - Tónica, acorde mayor
  2. Dórico   - Acorde menor
  3. Frigio -   Acorde Menor
  4. Lidio -   Acorde Mayor
  5. Mixolidio – Acorde Mayor *5to grado
  6. Eólico    -  Acorde Menor
  7. Locrio – Acorde disminuido 

Ahora los mismos 7 grados en Tonalidad menor 
  1. Eólico –Acorde menor
  2. Locrio - Acorde disminuido
  3. Jónico -   Acorde Mayor
  4. Dórico -   Acorde Menor
  5. Frigio – Acorde Menor *este acorde se vuelve el 5to grado del modo menor
  6. Lidio   -  Acorde Mayor
  7. Mixolidio – Acorde Mayor 

Es una tarea larga explicar como funciona la música tonal, eso lo dejo para otro artículo.
De momento supongamos que tienen entendimiento de las de la escala Mayor, menor y las implicaciones y relaciones entre sus grados.

Bueno, la música modal implica nuevas “reglas”: 
Se permiten las disonancias, de hecho se consideran tan importantes porque les da a los acordes el color respectivo de cada modo.
No hay cadencias del tipo V /I para evitar la sensación de tonalidad.
Se considera de igual manera un acorde más importante que los demás. Que es el que define el modo.
Ahora hablare un poco de los usos de cada modo, su color y ejemplos.

Modo Jónico
A este modo le corresponde el color de un acorde mayor con su 7ma mayor. Es un modo curioso porque realmente la mayoría de la música compuesta con el modo jónico corresponde a la música tonal, a comparación del modo eólico. Generalmente representa la belleza, alegría, contuncencia, grandeza y armonía.

Modo Dórico
Si tomamos al 2do grado como acorde de tónica es color que recibimos es de un acorde menor con su nota importante para el color dórica, la 6ta mayor . A mi siempre me ha evocado melancolía, también algo antiguo y meditativo, dualidad y es un sonido muy característico del Jazz y la música celta. Una de las canciones más famosas de todos los tiempos está en Dórico: 
Michael Jackson – Billie Jean

Modo Frigio
Es un modo muy usado en la música española, su color es de acorde menor, aunque con una suspensión de 4ta y una 9vena bemol. Es un modo bastante versátil. provoca obviamente algo que puede tener que ver con el sabor gitano, español, árabe,  algo peligroso, misterioso, malévolo, amenazador, reflexión, contemplación o algo sagrado. Vale la pena mencionar que es un modo muy usado en el metal por su facilidad para sonar agresivo.
Del maestro Joe Satriani – Time


Modo Lidio
De los modos más usados, este modo es un acorde mayor con 4ta aumentada y todas las extensiones posibles dentro de la escala Es un modo muy cliché para la fantasía, lo heroico, lo espacial, místico y exótico. Tambien comparte sonido alegre y brillante con el jónico.
El Score de Back to The Future de Alan Silvestri esta basado completamente en el modo Lídio


Modo Mixolidio
Es un color de acorde mayor, con su 7ma menor (acorde dominante) y en general este modo me provoca “actitud juvenil”, alegría, sonido veraniego y campestre Tambien es un sonido muy vinculado al blues, el country o hard rock.
Otra del gran Satriani - Summer Song

Modo Eólico
Es muy fácil crear un ambiente obscuro, misterioso, de suspenso o tristeza con este modo, junto con el Lídio es de los modos más usados. Su color es el de un acorde menor con una 6ta menor
Vangelis – Blade Runner Ending Credits


Locrio
El modo menos usado de todos, tiene cierto parecido con el frígio y su color característico es el de un acorde disminuido. Excesiva tensión, locura, algo desagradable, inestable son sus características
Judas priest – Painkiller (verso)


Hasta la proxima!



Bibliografía:
Si quieren saber más información adicional respecto a los modos esta página es fantástica, contiene más ejemplos y esta excelentemente explicado: http://www.escribircanciones.com.ar/icomo-componer-musica/569-los-modos-griegos-y-las-emociones-modo-eolico.html



lunes, 27 de abril de 2015

La Guitarra Eléctrica y el Cine

Charlie Lavín MartinezDirectorio de Músicos Instrumentistas Compositores y Arreglistas - México


Desde “Lethal Wearpon”(Arma Mortal) hasta “Inception”(El Origen), la guitarra eléctrica desde su nacimiento alrededor de 1930 ha jugado un papel realmente importante en la música de cine.

Es un instrumento con un un sinfín de colores y gamas siempre en evolución gracias a efectos como la distorsión, chorus, combinado con la técnica siempre evolutiva de los instrumentistas, ahora ya inmensa con técnicas como el Tapping a 8 dedos, Dive Bomb, Sweeping, Legato, Armónicos naturales y artificiales, Salto de cuerda, Afinaciones Extrañas, etc.. añadiendo el número infinito de posibilidades que dan diferentes maderas, pastillas, el instrumento se ha ganado a pulso su lugar en la música actual.

Y la música para audiovisuales no pasa por desapercibido esa reputación.


John Barry la uso para darle al tema de James Bond ese color característico de Surf con Big Band que ya es todo un cliché para bien o para mal en las películas de espías.


No tiene demasiada participación mas allá de la parte A del tema,sin embargo le agregan muchísimo carisma esas sencillas 3 notas, no solos, no atasque, solo música.






Ennio Morricone


Con su magnifico score de “The Good The Bad and The Ugly”(El Bueno, el Malo y el Feo), uso la guitarra eléctrica en el score, contradiciendo la época en la que se desarrolla la historia del filme (no existían guitarras eléctricas en esa época), pero funciona de manera magnifica, tanto que se creó otro cliché que perdurara siempre que se quiera remontar al viejo oeste.

La música esta llena de carisma, las ocarinas, silbidos, el grito de indios nativos AAAAaaaaa  que me remonta a Tarzan que,  pasajes de metales coreando tonadas de guerra , la brutal orquesta y coro que los acompañan, todo un conjunto genialmente mezclado por este monstruo musical, que me lamento que probablemente ya no tenga la oportunidad de ver, la ultima vez que vendría a México pospuso el concierto cerca de un año, hasta que lo cancelo definitivamente debido a cuestiones de salud, ya no va a hacer giras que no sean europeas.


Hans Zimmer

el compositor más buscado de Hollywood en nuestra época, ha usado la guitarra extensivamente, el ha aprovechado bien las cualidades del instrumento para crear tensión como en The Dark Knight (El Caballero de la Noche) o paisaje oníricos como en Inception (El Orígen



Ultimamente esta usando mucho de músico de sesión a Jonny Mar, guitarrista de The Smiths, un guitarrista que me gusta por su política de pocas notas, pero bien sonadas. El ha participado en los score de Inception y Amazing Spiderman 2. Su sonido es muy elegante y se acompla perfectamente a las atmosferas de Zimmer, tiene un uso del Delay y Reverb para crear el efecto onírico de forma impecable.



Pasando a uno latinoamericano

Gustavo Santaolalla

Este personaje es especial, es no tiene un score que no contenga guitarra sea eléctrica o acústica, es su instrumento y a veces pareciera que esta atrapado en el, sin embargo, su contenido emocional es innegable.

El ha compuesto la música de Amores Perros, Babel (ganador de Oscar a Mejor música), Secreto en la Montaña (ganador de Oscar a Mejor música)y el videojuego The Last of Us entre muchas otras.

Además es productor de un sinfín de grupos importantes contemporáneos que van desde Caifanes, Café Tacuba, Fobia, Molotov y muchos mas.



Michael Kamen y Erick Clapton


Este fue una combinación fructífera de músicos. No solo compusieron la música de para la serie de películas “Arma Mortal” junto con David Sanborn, hicieron música para la serie Edge of Darkness de la BBC e hicieron un concierto para guitarra eléctrica y orquesta.

Michael Kamen para mi fue un gran arreglista en lo que respecta a trabajar con grupos de Rock y Metal, con Metallica , Queen , Pink Floyd, Bon jovi, Herbie Hancock y la lista es inmensa. El murió de esclerosis multiple en 2003.
Sin embargo deja todo un legado en lo que respecta a la combinación de Musica contemporánea y orquesta.

Erick Clapton no necesita introducción, sencillamente uno de los mejores guitarristas de rock y blues de todos los tiempos.

Aquí les dejo por último es score de Arma mortal. Captura perfectamente ese sonido ochentero rockero de guitarra, sax, synth bajo y batería. Para las partes mas dramáticas la orquesta sale a relucir.


Hasta la próxima